Андрей Смирнов
Время чтения: ~10 мин.
Просмотров: 15

Гуашь

Пуантилизм: история мирового искусства

Всколыхнувший во второй половине XIX века мир художников стиль живописи – неоимпрессионизм – в 1885 году во Франции породил уникальное направление – пуантилизм. Критики крайне нелестно отзывались о технике, исключившей смешение цвета на полотнах картин. Но пуантилизм нашел своих поклонников.

Пуантилизм как стиль живописи

Картины пуантилистов легко определить с первого взгляда. Они состоят из отдельных точечных или прямоугольной формы мазков. Сама техника получила название от французского слова pointiller, означающего «писать точками».

Каждая точка в картинах пуантилистов находится на небольшом расстоянии от других, и, значит, ее цвет не смешивается с цветом соседней точки. Однако работу по соединению цветов и превращению отдельных точек в единое полотно выполняет человеческий глаз. Именно это ежесекундно делают наши глаза, когда мы смотрим на что-либо.

Пуантилисты не преследовали идею удивить кого-либо необычной и довольно сложной техникой написания картин. Они стремились передать в своих работах движение воздуха, энергию природы.

И это им прекрасно удавалось. Впрочем, нашлись критики, заявившие, что пуантилизм исключает творчество, а написание картин превращает в нудное механическое занятие. Но это совсем не так.

Жорж Сёра и другие пуантилисты

Увлеченный теорией цвета, изучавший труды Ш. Блана, О. Руда и Э. Шеврёля, молодой художник Жорж-Пьер Сёра решил применить свои знания на практике, создав полотно, состоящее из точек и при этом не смешивая.

Согласно теории цвета, находящиеся рядом точки разных цветов человеческий глаз смешивает в один цвет. К примеру, стоящие рядом желтая и синяя точки с определенного расстояния будут казаться человеку зеленым пятном.

В этом можно убедиться на примере знаменитой картины Ж-П. Сёра «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», ввергшей в шок критиков на выставке работ импрессионистов в 1886 году. Картина получилась невероятно живой, многомерной.

Контрастные точки создают эффект колеблющегося воздуха. Сёра достиг нужного эффекта – ему удалось передать красоту и естественность световоздушной среды.

Идею Ж-П. Сёра поддержали такие художники, как Поль Синьяк, Анри Кросс. И даже один из основателей импрессионизма – Камиль Писарро – 5 лет работал в стиле пуантилизма.

Henri-Edmond Cross Beach on the Mediterranian 1891

Camille Pissarro Railroad to Dieppe 1886

Пуантилизм Сёра открыл множество возможностей для экспериментов. К примеру, Поль Синьяк экспериментировал с расстоянием между точками. Если у Ж-П. Сёра мазки были примерно на равном расстоянии друг от друга, создавая эффект плавного движения, то на картинах Синьяка точки то сближались, то удалялись друг от друга, благодаря чему достигался эффект энергичного движения и объемности отдельных элементов.

Paul Signac Houses in the Port, Saint-Tropez 1892

Пуантилизм для развития творческого восприятия в рисунке у детей

Уже то, что контрастные по цвету точки, расположенные рядом, при удалении от них будут казаться единым по цвету пятном, вызывает неподдельный восторг у детей. И потому пуантилизм широко используется в детском творчестве.

Немало времени нужно малышу, чтобы обрести умения и навыки правильно держать в руке карандаши и кисти, наносить плавные линии на бумагу. Неудачи в традиционном рисовании нередко приводят ребенка к отказу от занятий.

Но работа с цветом – важнейшая часть обучения, развивающая творческое мышление, внимание и память. На помощь приходят приемы пуантилизма

Самый простой из них – пальчиковое рисование, когда малыши наносят краску на бумагу подушечками пальцев.

Импрессионизм — это новая техника и новый взгляд

Отвечая на вопрос, что такое импрессионизм, необходимо подчеркнуть, что это нечто большее, чем стиль. Это философия, идейная позиция, набор художественных методов, охватившее разные области культуры течение. Дело было не только в том, что живописцы-импрессионисты стали писать картины с определёнными стилистическими особенностями. Они предложили новый взгляд на мир, выйдя из студийных стен.

Веками мастера писали в студиях сюжетные полотна, портреты и даже пейзажи. Это не позволяло передать нюансы, связанные с естественным освещением. Например, рисуя закат, художник передавал некое умозрительное, обобщённое представление о закате.

Стремясь поймать и перенести на холст мимолётное впечатление, импрессионисты противопоставили студии пленэр. В это время появились тюбиковые краски, что дало возможность работать на природе или на улицах города.

Это позволило писать мир именно таким, каким художник видел его в момент создания картины. Но оказалось, что традиционные методы живописи не подходят для такой работы! Возникла необходимость в создании особой техники. Её особенности:

  • отказ от чётких контуров;
  • отказ от детализации и прорисовки (впрочем, иногда на импрессионистских картинах часть изображения прорисована, часть — нет);
  • отказ от лессировки, то есть от нанесения полупрозрачных красок поверх основного цвета, что характерно для классической школы;
  • использование этюдных мазков — энергичных, крупных;
  • раздельное наложение мазков;
  • отказ от смешивания красок — это одна из ключевых особенностей импрессионистской техники.

Живописцы-импрессионисты отказались от использования палитры и создавали оттенки, нанося мазки чистых цветов близко друг к другу (интересно, что чёрную краску практически не использовали, создавая тёмные зоны за счёт визуальных эффектов). Поэтому на импрессионистские произведения нужно смотреть с определённого расстояния.

Однако новаторская техника была только частью тех изменений, которые принёс в живопись импрессионизм. Выяснилось, что при естественном освещении в различное время суток, в тени или на ярком солнце, предметы не всегда выглядят так, как мы привыкли видеть их в комнате или на классических картинах. Например, когда солнце бьёт в глаза, мы щуримся, и это меняет восприятие, а если небо заполоняет грозовой фронт, мир обретает контрастную чёткость.

Это замечательно продемонстрировал Клод Моне в цикле картин «Стога сена».

Художники-импрессионисты стали изображать вещи такими, какими видели их в момент творения картины, и это ломало шаблоны. Например, красные ягоды могли приобрести фиолетовый оттенок, а уходящая вдаль фигура — полураствориться в пелене тумана или дождя.

С другой стороны, отражение мира «как он есть» было у импрессионистов не таким, как в реализме. Повысилась роль субъективности восприятия, которая впоследствии набрала ещё большую силу у постимпрессионистов, «диких» фовистов и представителей других новаторских течений.

РАННИЕ СТРАНСТВИЯ

Когда в 1880 году Ван Гог только начинал сой творческий путь, он намеривался стать сельским художником, пишущим жизнь самых обычных людей. В то время это направление в искусстве было модным, а одного из наиболее ярких его представителей можно считать французского художника Жана-Франсуа Милле, умершего в 1875 году.

Работы Милле были хорошо известны Ван Гогу по гравюрам (многие из них прошли через его руки, когда он работал в фирме, торгующей произведениями искусства). В самом начале своей творческой деятельности художник прошел пешком около 80 километров от Боринажа до Курьера, деревушки на севере Франции, чтобы посетить Жюля Бретона, одного из наиболее известных последователей Милле. Однако при встречи Ван Гог был разочарован тем, что Бретон, изображающий сцены тяжелого крестьянского труда, сам живет в достатке и комфорте. Такое отношение было характерно для Ван Гога, всегда писавшего свои картины кровью сердца.

Хотя Винсент иногда занимался копированием работ других художников, что составляло часть его учёбы, сам он всегда стремился к тому, чтобы отражать на полотне реальную жизнь без прикрас, такой, какой она представала перед его глазами. Его никогда не интересовали вымышленные сюжеты. В 1885 году он писал: «Изображать крестьянскую жизнь — трудная задача, но я не прощу себе, если не попытаюсь сделать так, чтобы мои картины заставляли зрителя всерьёз задуматься». Действительно, до переезда художника в Париж в 1886 году основными персонажами его картин, написанных во время «голландского периода», были крестьяне и ткачи, он воспроизводил сельские сцены и ландшафты.

Иногда Ван Гог платил немного денег местным жителям, приходившим позировать для его картин, и всегда был огорчён тем, что крестьяне надевают для этого свои лучшие выходные платья, в то время как ему хотелось запечатлеть их такими какими они были в повседневной жизни, «в рубищах и заплатках». Чтобы персонажи его картин выглядели более естественно, он даже собирал старую одежду, в которой обычно ходили крестьяне, рыбаки и другой рабочий люд.

Рисунки

Первая половина творческой жизни Ван Гога в основном была посвящена рисунку. В этом жанре он добился огромных успехов и по справедливости может считаться не только одним из величайших художников, но и выдающимся рисовальщиком XIX века. В ранних работах Ван Гог экспериментировал с разными материалами, включая плотничьи карандаши и черные восковые мелки для литографий. Именно они способствовали выработке раннего стиля Ван Гога — с твёрдым, порой даже жестким, штрихом. Образцом такого раннего рисунка может служить «Женщина, чистящая картофель», 1882 года.

Часто художник рисовал, одновременно используя различные материалы, например, пастель, гуашь, чернила и карандаш. благодаря этому его рисунки обычно приобретали мощь и отображали мрачное настроение, однако порой выглядели неестественными.

По мере того как росло мастерство художника, его штрих стал более быстрым и отрывистым, оживлявшим рисунок. Эту новую технику демонстрирует рисунок Ван Гога «Крестьянка, собирающая колос», 1885 года.

Влияние японского искусства

Японские эстампы стали источником вдохновения для целого ряда художников-авангардистов, работавших в конце XIX века. Впервые Ван Гог упоминает о них в своих письмах, написанных зимой 1885-1886 годов, но сильное влияние японской гравюры на манеру художника начинает просматриваться только с 1887 года, то есть после переезда Ван Гога в Париж. Такие эстампы были очень доступны и дешевы, поэтому художнику удалось собрать коллекцию, состоящую приблизительно из 200 работ. Он использовал их для украшения стен своей комнаты, а в марте 1887 года даже устроил выставку японских эстампов в кафе «Тамбурин».

Эти прозрачные по цвету и радостные по настроению картинки привлекли Ван Гога тем, что помогали ему расслабиться и хотя бы на время забыть о тяготах повседневной жизни. Именно японские гравюры вдохновили художника на использование в своих картинах более ярких цветов и сглаженных форм, однако ему, в отличие от других, удалось удержаться от соблазна использовать характерные для японской живописи высокие ракурсы и спонтанность рисунка, казавшиеся столь привлекательными большинству его современников. В этюде, под названием «Куртизанка», прослеживается влияние работы Кесаи Эйсена, помещенной на обложке майского номера журнала «Пари Иллостре» за 1886 год.

Живопись акрилом и гуашью

История создания акриловых красок

Производство акриловых красок на масштабном уровне было налажено с середины пятидесятых годов прошлого столетия.

Немецкими химиками было открыто уникальное свойство акриловых кислот, позволяющее при смешивании их с органическими наполнителями давать результат в виде устойчивых полимерных композиций.

В 50-х годах американская компания Bocour Artists Colors разработала спиртовую акриловую краску под названием «Магна», которая предназначалась для живописи. Изобретение американских производителей позволило запустить массовое производство акриловой краски во всех странах мира. Со временем технология производства акриловой краски была усовершенствована: спирт был заменен на воду, что позволило существенно расширить сферу применения покрытия данного вида.

Американский художник Франк Стелла, при изучении возможных свойство красительных веществ, активно применял акрил в написании художественных полотен. В Европе акриловая краска была произведена в Испании, и в последствии широко применялась в сфере изобразительного искусства.

В настоящее время высокое качество акриловых красок позволяет использовать данный продукт в отрасли отделочных и декоративно-прикладных работ.

Применение акриловых красок для живописи

Техника применения акриловых красок многообразна и зависит от материала и поверхности нанесения. Наносится краска валиком, распылителем или кистью. По сути, краска универсальна, и используя ее, можно добиться любой художественной фактуры.

Краска быстро сохнет, не выгорает под воздействием света и солнца, не тускнеет, обладает водостойкостью, и богатой палитрой. Ее можно применять на металле, дереве, ткани, стекле, керамике, на бумаге и холсте.

Акриловые краски образуют прочную водостойкую пленку за счет использования акриловой смолы в виде водной дисперсии, поэтому они прекрасно наносятся практически на любую поверхность. Для создания художественных работ с акриловыми красками необходимо работать в традиционной технике — станковой масляной или темперной живописи.

Если краску наносить на тубу или немного разбавлять, то работа будет напоминать традиционную живопись маслом. Более густая консистенция превосходно подойдет для работ, где уделяется роль фактуре. Более жидкая консистенция подходит для использования на масштабных участках поверхности.

Акриловые краски незаменимы при многослойной живописи и технике подмалевки. Поскольку эти краски не размываются водой после высыхания, в отличие от акварели, то при их использовании не будет риска размывания нижнего слоя.

Также краску можно с успехом применять и для акварельной однослойной живописи. Для придания большей выразительности цветовой гаммы и глубины можно применять и технику лессировки, где в начале на поверхность наносят более густую краску.

При работе с акрилом можно применять и технику «импасто», будто работая с маслом. Также акриловые краски подходят для каллиграфических работ, где создается тонкие аккуратные линии.

Акрил можно использовать в качестве грунтовки, комбинировать с различными красками, применять аэрографию, и создавать любую палитру. Все зависит от творческой фантазии и желания художника.

Особенности применения акриловых красок для живописи

Применяя в работе краску, важно знать несколько полезных вещей:

  • Поверхности желательно должны быть очищены от загрязнений и пыли;
  • Работы проводятся при температуре не ниже 10 С;
  • Краска до высыхания с инструментов и тары удаляется водой;
  • Хранить акриловую краску необходимо закрытой;
  • Высохшая краска может быть удалена с помощью растворителя используемого для акрила.
Рейтинг автора
5
Материал подготовил
Максим Иванов
Наш эксперт
Написано статей
129
Ссылка на основную публикацию
Похожие публикации